«We’re Taking Over This Town»: ‘Cowboys From Hell’ y el ascenso de Pantera

Por: Sebastián González Z y Mauricio Durán

Para unos, ‘Cowboys From Hell’ es el quinto álbum de Pantera; para otros, su verdadero debut. Y para la misma banda, fue el punto de partida. Aunque la agrupación de Arlington, Texas, llevaba ya nueve años en el ruedo, este disco marcó el renacer, el inicio de una nueva vida artística. El cambio de estilo, del glam metal al groove metal, no solo fue radical, sino necesario para que su música quedara grabada en el imaginario colectivo de los fans y de los amantes de los sonidos extremos. Fue una declaración de guerra, una señal de que algo crudo, auténtico y contundente venía desde el sur.

Hoy, ‘Cowboys From Hell’ cumple 35 años, y su impacto sigue retumbando con la misma potencia con la que Phil Anselmo gritaba «We’re takin’ over this town!». El álbum no solo redefinió a Pantera: abrió una nueva vía para el metal de los años noventa, feroz y sin concesiones.

Pocas bandas se habían atrevido a asomarse al abismo que Pantera terminó de abrir. El groove metal no nació de la noche a la mañana, pero hasta ‘Cowboys From Hell’ era apenas una sombra difusa. En 1982, Black Sabbath había dado los primeros pasos inciertos con ‘Mob Rules’ y ‘Born Again’, explorando riffs más densos, con una cadencia más pesada que rápida, y una oscuridad distinta a la del doom o el thrash. Años después, aparecieron nombres como Exhorder, cuya agresividad cruda y rítmica fue fundamental en la anatomía del género, o White Zombie, que le imprimió un enfoque más industrial y psicodélico. Pero fue Pantera quien tomó esa masa informe de influencias y la convirtió en una forma sólida, demoledora, con cuerpo y con identidad.

En ese camino fue clave una figura legendaria del metal: Rob Halford, vocalista de Judas Priest, quien ofició como una especie de padrino musical. Halford vio en ellos el potencial para sacudir al metal desde sus entrañas, y los respaldó en vivo cuando todavía eran una promesa sin gran reconocimiento. Entendía que necesitaban un impulso para posicionarse, y no dudó en dárselo. En paralelo, bandas como Metallica estaban comenzando a virar: en 1991 lanzaban su álbum homónimo, conocido como el ‘Black Album’, suavizando su sonido, buscando un público más amplio. Muchas agrupaciones pesadas optaban por acomodarse al clima alternativo y grunge que dominaba los 90. Pantera hizo lo contrario: apretó los puños y se endureció aún más.

‘Cowboys From Hell’ no fue simplemente parte de la ola post-thrash: fue el látigo que la despertó. Pantera no siguió una tendencia; la aplastó y construyó la suya. Donde otros bajaron el volumen, ellos lo subieron. Donde otros buscaron encajar, ellos decidieron romper moldes. En una escena que comenzaba a flaquear, ellos encarnaron la resistencia. Y no solo sobrevivieron: reinaron.

Hablemos de las canciones del álbum. Porque ‘Cowboys From Hell’ no fue un simple cambio de estilo: fue un manifiesto musical. Y cada canción es un capítulo de esa declaración de principios, una muestra exacta de cómo se construye un sonido abrasivo y honesto desde la raíz.

La apertura con ‘Cowboys From Hell’ es una entrada al galope, una advertencia. El riff principal se ha vuelto uno de los más reconocibles del metal, una marcha crujiente que evoca polvo, sudor y confrontación. La batería de Vinnie Paul trota firme, sin necesidad de adornos innecesarios, y la voz de Anselmo ya empieza a marcar territorio: agresiva, controlada, arrogante. No es solo una canción, es un grito de guerra. Le sigue ‘Primal Concrete Sledge’, que en apenas dos minutos y medio se siente como un escupitajo directo al rostro. Es velocidad comprimida, con un bajo más punzante de Rex Brown, riffs filosos de Dimebag que cortan como navajas oxidadas, y una sección rítmica que golpea como concreto en caída libre. Esta canción fue escrita en pleno estudio, y ese frenesí espontáneo se nota.

‘Psycho Holiday’ entra con un groove denso, casi psicótico. Anselmo se despacha con una letra enfermiza y una interpretación teatral, que no disfraza la locura, sino que la exalta. Es una canción que vibra con malicia contenida, ideal para el desquicie controlado que Pantera proponía. Luego viene ‘Heresy’, una bomba con secciones de doble bombo, riffs secos y punzantes que dialogan entre thrash clásico y una nueva forma más pausada pero igual de agresiva. Anselmo lanza cuestionamientos sobre religión y control con furia juvenil, sin caer en lo panfletario.

Y entonces aparece una de las joyas del disco: ‘Cemetery Gates’. El lamento eléctrico. Aquí Dimebag Darrell se consagra como un guitarrista de dimensiones emocionales y técnicas pocas veces vistas. El tema inicia con una introducción acústica triste y bella, y va escalando hasta alcanzar un duelo vocal-guitarra entre Anselmo y Dimebag que es historia pura. Es el lamento de la pérdida, pero también un homenaje a la expresividad dentro del metal más crudo.

En la segunda mitad del álbum no baja la intensidad. ‘Domination’ es el golpe más certero: un riff que aplasta y un breakdown que es dinamita pura, uno de los momentos más brutales de todo el catálogo de Pantera. En vivo, era el desate total. Luego, ‘Shattered’, una de las más veloces y thrasheras, muestra que la banda aún podía moverse con soltura en terrenos más rápidos, pero sin perder el groove. ‘Clash with Reality’ se arrastra como una serpiente enfurecida, con cambios de tempo y una tensión constante que no se suelta.

‘Medicine Man’ es quizás la más subestimada del disco: suena tribal, con una intro oscura y una progresión que recuerda vagamente los experimentos de Black Sabbath. La voz de Anselmo aquí es más teatral, casi ceremonial, y el solo de Dimebag te lleva por un viaje ácido. Luego, ‘Message in Blood’ muestra una mezcla perfecta entre agresividad y ritmo, con un bajo bien marcado y riffs diabólicos. Y como cierre, ‘The Art of Shredding’, una descarga total. Rápida, técnica, incendiaria. Una clase de cómo cerrar un álbum dejando todo quemado detrás. El título no miente: es arte, pero arte a cuchillo limpio.

Cada una de estas canciones tuvo su momento, su interpretación, su eco en el público. No hubo relleno. No hubo tregua. El álbum fue recibido como una señal: algo se estaba gestando en el sur de Estados Unidos, y venía armado hasta los dientes. ‘Cowboys From Hell’ fue el inicio formal de una banda que no solo cambió de estilo, sino que se atrevió a reinventar el metal para toda una generación. Y lo hizo canción por canción, sin pedir permiso.

El arquitecto invisible: Terry Date y el sonido de la furia sureña

Si ‘Cowboys From Hell’ suena como un disparo preciso en medio de una tormenta, es en gran parte por la mano de Terry Date, el productor que logró capturar y pulir la energía salvaje de Pantera sin restarle un gramo de agresividad. Date, ingeniero y productor experimentado, venía de trabajar con bandas como Metal Church y Overkill, pero fue con Pantera que dejó una marca indeleble en la historia del metal. Su habilidad para encontrar el equilibrio entre potencia bruta y claridad sonora lo convirtió en el cómplice perfecto para una banda que estaba en plena mutación estilística.

El trabajo de Terry Date en ‘Cowboys From Hell’ no fue solo técnico, fue conceptual. Dotó al álbum de una identidad sónica inconfundible: guitarras filosas, pero no saturadas, una batería que golpea con el peso de una maquinaria pesada, pero sin ensuciar el plano general, y una voz que suena presente, áspera y dominante sin opacar al resto. Cada instrumento tiene su lugar, su carácter. Dimebag Darrell suena glorioso, Rex Brown respira en el bajo con nitidez, y Vinnie Paul retumba como un martillo hidráulico. Date entendió que Pantera no necesitaba maquillaje ni correcciones: necesitaba una mezcla que escupiera en la cara.

El resultado fue demoledor. ‘Cowboys From Hell’ vendió más de dos millones de copias solo en Estados Unidos, obteniendo la certificación doble platino por la RIAA. A nivel mundial, la cifra supera los tres millones, consolidándolo como uno de los discos más exitosos del metal pesado de principios de los noventa. No fue inmediato, sino progresivo: el álbum fue creciendo de boca en boca, impulsado por las giras brutales y la voz imparable de los fans que lo reconocieron como una obra distinta, necesaria.

Terry Date no solo produjo un álbum: ayudó a moldear el sonido de una generación. Luego volvería a trabajar con Pantera en ‘Vulgar Display of Power’, ‘Far Beyond Driven’ y ‘The Great Southern Trendkill’, convirtiéndose en una figura fundamental en la trilogía dorada de la banda. Pero fue aquí, en ‘Cowboys From Hell’, donde comenzó la leyenda. Y como todo lo legendario, nació con fuego.

Cuando ‘Cowboys From Hell’ fue lanzado el 24 de julio de 1990, Estados Unidos vivía una mutación silenciosa. El país acababa de salir de los ochenta: una década marcada por el exceso, el neoliberalismo de Reagan, la cultura MTV y un rock domesticado por la industria. Pero ya se asomaban nuevas tensiones. En la política, George H. W. Bush ocupaba la presidencia, y se hablaba de un nuevo orden mundial, mientras en las calles crecía la desconfianza hacia las élites y se cocinaban los disturbios sociales que estallarían apenas dos años después, con los casos de brutalidad policial y racismo en Los Ángeles. Era una época donde el individualismo mostraba sus grietas, y el desencanto se filtraba en la juventud. El glam metal, símbolo de fiestas, hedonismo y poses, comenzaba a sonar hueco ante una generación que pedía algo más real, más sucio, más visceral.

En Texas, ese sentimiento era aún más denso. El estado del petróleo, los vaqueros y la cultura conservadora estaba en plena redefinición. Ciudades como Dallas o Houston empezaban a industrializarse, pero también a fracturarse socialmente. El sur profundo seguía siendo sinónimo de tradición, pero en sus márgenes, en los bares de mala muerte y los suburbios de clase trabajadora, germinaba una juventud frustrada, atrapada entre la moral rígida y el vacío existencial del sueño americano. En ese caldo de cultivo nació el verdadero Pantera. ‘Cowboys From Hell’ no era solo un disco: era el grito de cuatro tipos sureños que no querían encajar ni en Los Ángeles ni en Nueva York. Era metal hecho con botas, polvo y cicatrices. Era el sur diciendo: «Aquí también se ruge, y más fuerte que nunca».

Cuatro jinetes del sur: Pantera y la furia hecha carne

En ‘Cowboys From Hell’, Pantera dejó de ser una banda buscando su lugar y se convirtió en una bestia con identidad propia. Y fue Phil Anselmo quien abrió la jaula. Cansado del maquillaje, las hombreras y las mallas que arrastraban del glam, llegó con una rabia cruda y una visión distinta: endurecer el sonido, pisotear lo superficial y meterlos de cabeza en el groove. No cantaba: escupía fuego. Era la furia del obrero, del marginado, del que ya no quiere encajar en ningún molde. Su presencia escénica era puro peligro. No era glam, no era thrash, era una amenaza sureña recién desatada. Con él, Pantera encontró una voz que no solo cantaba, sino que mordía.

Rex Brown, desde las sombras, apretaba los dientes y tensaba los hilos. Su bajo no era un relleno: era una cadena que arrastraba los riffs y los hacía más pesados, más densos. Era el motor que rugía detrás del tanque de guerra. Pero el alma, la magia, el músculo real del sonido Pantera estaban en los hermanos Abbott. Vinnie Paul, con su batería hecha de acero y metralla, marcaba el compás de la furia. Y Dimebag Darrell… Dimebag no tocaba la guitarra, la poseía.

Había encontrado ese tono que no venía de los amplificadores, sino del corazón reventado de un tipo que amaba la distorsión como si fuera sangre. Su estilo era fuego líquido: riffs con groove y solos que eran gritos del alma. Lo que hicieron juntos no se puede repetir. No se puede imitar. Se siente en la piel, en los dientes.

El ‘Cowboys From Hell Tour’ fue un campo de exterminio. Durante más de un año, Pantera recorrió Estados Unidos y Europa dejando escenarios en ruinas, en una cruzada que los sacó del anonimato para ponerlos en la cima del nuevo metal de los noventa. Compartieron cartel con Judas Priest y Exodus, sí, pero muchas noches se llevaron la gloria con los nudillos. Cada show era una guerra en carne viva: no había poses, no había playback, solo sudor, amplificadores al rojo vivo y miles de cuellos quebrándose en sincronía. Era violencia organizada. Era el sur reclamando su lugar en el mapa del metal, sin pedir permiso.

Pero si hubo un punto de inflexión en aquella gira, fue el Monsters of Rock en Rusia, en septiembre de 1991. Ante más de medio millón de personas hambrientas de música –en plena resaca de la Guerra Fría y con el comunismo tambaleante–, Pantera demostró que no solo podían compartir escenario con colosos como Metallica, AC/DC y The Black Crowes, sino que podían devorar el público con una ferocidad que nadie esperaba de una banda nueva. Ese concierto fue su coronación: la declaración de que ‘Cowboys From Hell’ no era solo un disco debutante en la era del groove metal, sino un estandarte de resistencia, agresividad y autenticidad.

A lo largo del tour, las ciudades caían una tras otra. Dallas, su casa, se incendió con una serie de conciertos donde Phil Anselmo se dejó la garganta y Dimebag Darrell hizo rugir su Dean como si fuera un arma de asedio. Nueva York, Los Ángeles, Londres, Berlín… cada parada era un desafío a las bandas establecidas, una prueba de que el metal podía sonar más crudo y real que nunca.

Fue en esos meses de carretera donde Pantera dejó de ser una promesa para convertirse en una amenaza. Una banda que no se parecía a nada. Que no venía de Los Ángeles ni de Nueva York. Que venía de Texas, con el polvo del desierto pegado a las botas y el alma endurecida a punta de rechazo. ‘Cowboys From Hell’ no solo fue su punto de partida. Fue el manifiesto de una nueva era: una en la que el metal volvió a sonar sucio, peligroso, y gloriosamente humano.

Treinta y cinco años después, ‘Cowboys From Hell’ sigue oliendo a sudor, metal caliente y libertad. No envejece porque no responde a una época, sino a una necesidad: la de romper con lo establecido y crear algo que no existía. Fue el rugido de cuatro tipos del sur que no querían parecerse a nadie y terminaron marcando a todos. Suena y sigue sonando como una bomba que estalla en cámara lenta: con precisión, con arte, con violencia. Y ahí está su poder. Pantera no solo cambió de sonido: le arrancó el alma al glam, la moldeó con rabia, y la arrojó de nuevo al mundo envuelta en riffs que aún nos desgarran.

‘Cowboys From Hell’ no es un clásico por nostalgia, lo es por justicia. Porque fue disruptivo, porque fue honesto, porque sigue enseñando cómo debe sonar una banda cuando se atreve a decir «hasta aquí». Es el punto donde Pantera se convirtió en leyenda. Y como toda leyenda verdadera, no se olvida: se siente, se canta, se revive cada vez que suena el primer acorde, como si 1990 fuera hoy y el infierno apenas estuviera abriendo sus puertas.

Sobre Mauricio Durán

Mauricio es un coleccionista, melómano y audiófilo con más de 30 años de experiencia. Ha sido ganador de múltiples concursos en medios radiales y redes sociales, además de destacarse como host de eventos musicales, analista y difusor musical en plataformas digitales. Desde 2020, se desempeña como locutor para Tendencia Rocker y es Presidente del GUNS N’ ROSES COLOMBIA FAN CLUB.

Sobre Sebastián González Z

Sebastián es un cuyabro de pura cepa, rockero de corazón y futbolero de pasión. Estudiante de último semestre de derecho en la UGCA de Armenia y director de Tendencia Rocker, combina su amor por la música con una visión crítica del mundo. Siempre entre el ruido de las guitarras y el debate, busca dejar su huella en la cultura y el derecho