Cumbiáfrica en ‘Sheel Sheel’

Cumbiáfrica en ‘Sheel Sheel’: la melodía que transforma el zumbido de la guerra


Por: Andrés Angulo Linares (Olugna)


Sumó su voz a la del profesor que interpreta las primeras líneas de la canción. Su rostro está descubierto. El hoodie púrpura estampado con un personaje animado convive con el hiyab que cubre su cabeza. A su espalda, sus compañeros de clase también se unen al coro y, como ellos, miran hacia la cámara del teléfono. Entre todos han dado un nuevo propósito al augurio que zumba sobre sus cabezas y vigila cada uno de sus movimientos, como lo ha hecho desde hace 20 años.


Hace un año, el profesor Ahmed Muin AbuAmsha convirtió la zanana —nombre con el que los pobladores conocen el zumbido de los drones— en un instrumento de viento que da melodía a ‘Sheel Sheel’. Este canto, que nace en medio de la guerra, encuentra en el cardamomo el perfume que desafía el hedor de la muerte que ha dejado un conflicto del que no tienen culpa, del que no tienen cómo defenderse y que ha manchado con sangre su territorio y profanado su cultura. El opresor, desde 1948, ha buscado la excusa perfecta.

No es un canto contestatario. No buscan enfrentarse con sus voces a los misiles, sino algo más valiente, pero más difícil de entender desde la realpolitik: transformar a través de la música el horror que convirtió a Palestina en un Estado huérfano. Ahmed y sus jóvenes alumnos se hicieron virales. A su modo —uno auténtico que sabe que la guerra no es un safari que se retrata en redes sociales— lograron, lejos de titulares llamativos y del algoritmo, preservar su cultura y darle fuerza a su dignidad.

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Fotografía tomada de CDM

Su canción logró sumar voces alrededor del mundo más sinceras que los discursos políticos ansiosos de aprobación y encontró en la diáspora un eco más allá de Gaza. En otras tierras, al igual que Ahmed y sus estudiantes, hay artistas convencidos de que el mayor coraje pertenece a quienes encuentran belleza donde la guerra quiso sembrar el horror. El arte, como la vida, encuentra la forma de crecer en un almendro, en una hoguera o en un dabke; la música también puede nacer de un zumbido.

«Crecen, crecen los almendros / Crecen entre la hoguera / Canela, berenjena con el za’atar»

‘Sheel Sheel’ es una pieza tradicional palestina. La interpretación que el profesor Ahmed Muin AbuAmsha creó junto al coro Gaza Birds Singing, construida sobre la zanana permanente de los drones, la convirtió la pieza en un símbolo de resistencia cultural que terminó recorriendo el mundo.

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En Colombia el zumbido de la guerra sobre las tejas de zinc también se ha sentido, pero el arte se ha negado durante décadas a concederle la última palabra. Cumbiáfrica entiende esa memoria. No toma prestado el dolor palestino ni intenta traducirlo desde la distancia. Escucha una canción nacida entre drones y la deja dialogar con otro país que igualmente aprendió a convertir el miedo en tambor, el duelo en poesía y la resistencia en música.

En la versión de ‘Sheel Sheel’ que presenta Cumbiáfrica también participan el profesor Ahmed —junto a los niños del coro Gaza Birds Singing— y se suma Alé Kumá. En esta adaptación, la lengua árabe encuentra respuesta en el español; dos identidades que no necesitan parecerse entre sí para entenderse y reconocerse en la música.

‘Sheel Sheel’, además da nombre al EP que publicó Cumbiáfrica, del que forman parte ‘Madre Vida’ y ‘Tengo un dolor’

Cantada en árabe, la primera parte ‘Sheel Sheel’, en la versión que presenta el dúo colombiano radicado en España, es la petición de sus pobladores de alejar los drones de sus cabezas; una oración que deja en manos de Dios el honor de las víctimas y la paz que la comunidad palestina desea.

«¡Quita, quita (el dron), oh mi belleza! / ¡Quita! Te encomiendo a Dios. / La sangre del mártir está perfumada con cardamomo, ¡oh, qué noche»


En español, Lina Rojas (MORENITA), responde desde aquellos lugares que la guerra no puede derrumbar ni profanar. El encuentro cultural que supone esta versión es la representación de que la causa Palestina no es ajena a otros territorios que, aunque distantes de su geografía, se identifican con el conflicto en Gaza.

«Crecen, crece el limonero / Se aferra a sus raíces / Olivos que no pueden desenterrar / Suben las almas mientras bailan / El dabke entre las nubes»

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El poder de ‘Sheel Sheel’ —y del arte— no está en detener la guerra, está en su forma de contarla, de encontrar en un zumbido un motivo.


Sobre Olugna

Cada crónica es un ritual. Quizás suene demasiado romántico, pero así es. Así soy yo, complejo y trascendental; sensitivo y melancólico, pero entregado a una labor que, después de algunos años, me ha abierto la posibilidad de vivir de mis dos grandes pasiones: la escritura y la música. A la primera me acerqué como creador, a la segunda –con un talento negado para ejecutarla– como espectador.

Bastion Rose convierte el colapso social en combustible para ‘Break The Machine’

La agrupación estadounidense Bastion Rose lanzó ‘Break The Machine’, un sencillo que mezcla hard rock cinematográfico, metal alternativo y atmósferas electrónicas para construir una visión marcada por ansiedad social, desgaste político y sensación de colapso colectivo.

La canción forma parte de la etapa conceptual asociada a ‘Blue Rising’, próximo trabajo de la banda, y desarrolla una narrativa centrada en una juventud atrapada dentro de estructuras percibidas como obsoletas. A partir de esa idea, el sencillo funciona como una reacción contra distintos sistemas de poder y contra la pasividad frente al deterioro social contemporáneo.


Musicalmente, ‘Break The Machine’ combina instrumentación pesada con sintetizadores agresivos y pasajes de piano que refuerzan la sensación distópica del tema. La banda continúa así una línea sonora construida alrededor de contrastes entre melodía cinematográfica, intensidad metalera y estructuras cercanas al rock alternativo de los años 2000.


Para Austin Frink, vocalista y principal compositor del proyecto, la canción representa una respuesta directa al rumbo político y cultural del presente. «El mundo que estamos construyendo ahora mismo no es el mundo en el que queremos vivir», señaló el músico sobre el concepto detrás del sencillo.


Frink también describe ‘Break The Machine’ como una invitación a reconocer aquello que está deteriorando a la sociedad —desde sistemas políticos y medios de comunicación hasta apatía colectiva— antes de que resulte imposible modificar el rumbo actual.

Con base en Bloomington, Indiana, Bastion Rose ha construido una propuesta orientada hacia el hard rock de carácter narrativo y cinematográfico. El proyecto mezcla influencias asociadas al rock setentero con elementos del metal alternativo contemporáneo, manteniendo una producción amplia y enfocada en construcción atmosférica.

Los trabajos previos de la banda, ‘Traces of Gold’ y ‘Fade To Blue’, fueron producidos por el ganador del Grammy David Bottrill, conocido por colaborar con artistas como Tool, Muse, Mastodon, Godsmack, Coheed and Cambria, The Smashing Pumpkins y Rush.

Emilia Borlone y Madame Récamier encuentran en ‘Ola de Amor’ una bachata atravesada por la pérdida y la celebración

La cantautora chilena Emilia Borlone estrenó ‘Ola de Amor’, el quinto sencillo de su próximo álbum de estudio y una colaboración junto a Madame Récamier. La canción funciona como un nuevo adelanto del LP debut de Borlone, previsto para agosto, y amplía la exploración emocional que ha venido desarrollando en sus lanzamientos recientes.


‘Ola de Amor’ nace de una reflexión personal sobre la muerte, la pérdida y los vínculos afectivos. Emilia Borlone explica que varias experiencias cercanas marcaron la construcción de la canción, especialmente la muerte de personas importantes en su vida, incluido su padre. «Son procesos dolorosos, pero que también te acercan a lo que tiene más valor en la vida. Y el amor es lo que siempre nos salva», señala la artista sobre el origen del sencillo.

A partir de esa experiencia, la canción toma forma como una invitación a disfrutar la vida y fortalecer distintas formas de afecto: el amor romántico, la amistad, la conexión con la naturaleza y el cuidado propio. Para desarrollar la idea, Borlone convocó a Madame Récamier, artista mexicana con quien construyó el tema desde una primera maqueta compuesta por el coro y algunos versos iniciales. Ambas decidieron llevar la canción hacia la bachata, un terreno nuevo dentro de sus respectivos recorridos musicales.


Según las artistas, el ritmo terminó funcionando como el vehículo adecuado para el tono luminoso de la canción. «Es la primera vez que navegamos por el ritmo de la bachata, y sentimos que era el pulso perfecto para acompañar esta canción gozosa», comenta Borlone. El lanzamiento estará acompañado por un videoclip que se publicará en YouTube.


Radicada en México desde 2022, Emilia Borlone ha construido una propuesta que combina indie pop, pop latino y elementos soul con una escritura enfocada en lo íntimo y lo narrativo. Su carrera solista comenzó con el EP ‘Rota’ en 2022 y continuó con trabajos como ‘Diario Paraíso’ y ‘Rico Dolor’. Durante los últimos años ha realizado giras por distintas ciudades mexicanas y participado en eventos como el Festival Ceiba y el Festival del Vino y el Queso de Cuautitlán Izcalli, compartiendo cartel con artistas como Ximena Sariñana y Little Jesus.


Por su parte, Madame Récamier desarrolla desde hace más de una década un proyecto vinculado al retro pop y a las artes escénicas. Desde su debut con ‘Chocolate’ en 2009, ha publicado discos como ‘ImaGina’, ‘Mi Corazón’, ‘No Olvidar’, ‘Amor Nuvó’ y ‘Caprichos’. A lo largo de su trayectoria ha colaborado con artistas como Natalia Lafourcade, Flor Amargo y Alex Lora, además de participar en festivales como Vive Latino y Corona Capital.

Samsara presenta ‘Regular Corto’, un álbum que amplía su exploración entre el rock alternativo, el indie y el stoner rock

Samsara lanzó ‘Regular Corto’, su segundo álbum de estudio y un trabajo que marca una nueva etapa para la banda chilena al expandir su propuesta dentro del rock alternativo. Disponible ya en plataformas digitales, el disco profundiza en una búsqueda sonora más amplia, donde conviven distintas influencias y niveles de intensidad.


A lo largo del álbum, la banda incorpora elementos del pop, indie, hard rock y stoner rock, construyendo un recorrido que alterna momentos melódicos con pasajes más densos y confrontacionales. Esta diversidad también atraviesa el componente lírico del disco, donde las canciones oscilan entre lo nostálgico, lo irracional y lo emocional, buscando generar contraste entre vulnerabilidad e impacto.


La producción de ‘Regular Corto’ fue abordada desde distintos enfoques según cada canción, una decisión que permitió potenciar la identidad particular de cada track y evitar una estética uniforme. En el proceso participaron Claudio Quiñones, Bruno Castro, Gonzalo Villalón y Alejandro Salazar en producción artística, mientras que la edición estuvo a cargo de Matías Cruz, Gonzalo Villalón y Bruno Castro. La mezcla y masterización fueron realizadas por Gonzalo Villalón.


Formada en Maipú, Santiago, Samsara está integrada por Bruno Castro, Tomás Castro, Jorge Toro y Joaquín Unibazo. Desde 2019, la banda ha construido una trayectoria dentro de la nueva escena chilena de rock alternativo, con presentaciones en festivales como Rockódromo, Fluvial, REC Pro y Lollapalooza, además de su reciente paso por Fiura Cali 2025. ‘Regular Corto’ continúa el camino iniciado con ‘Cine Para Adultos’ en 2023 y los posteriores registros ‘Edición en casa’ y ‘En vivo en Teatro Cariola’.