En un comienzo las compañías de discos tenían sus propios productores bajo su nómina. Esto cambió a medida que los artistas fueron pidiendo más libertad para hacer sus discos, según su criterio y, sobretodo, escoger su equipo de trabajo y dónde realizarlo.
En la entrega anterior de ‘Las caras ocultas detrás de la música’, Enrique Gaviria nos brindaba un contexto histórico sobre lo que acontecía en la industria del rock comenzando la década de los 80.
En la entrega anterior de ‘Las caras ocultas detrás de la música’, Enrique Gaviria nos brindaba un contexto histórico sobre lo que acontecía en la industria del rock comenzando la década de los 80.
Nos habló en esa primera entrega, también, del copyright, cómo registrar una obra, de la labor del compositor, los editores y del papel de entidades como el MIDEM y del ASCAP.
Por, Enrique Gaviria
La editora
La función de La Editora (que debe tener un contrato con cualquiera de las mega compañías), es registrar las composiciones, controlar y dar licencia sobre las canciones que tiene, promover las composiciones a productores y, sobre todo, recoger los dineros que sus canciones producen en el mundo por las licencias que concede, maneja, coordina y recoge las regalías por derechos de autor que le pagan. Paga a los compositores según un contrato de manejo de sus canciones y el porcentaje es de común acuerdo con el compositor.
Este es un ejemplo donde una canción tiene 5 compositores y cada uno pertenece a una editora diferente y tiene 11 sociedades que controlan los derechos de autor. Al final, todas, incluyendo las grandes (Sony y EMI), son afiliadas a alguna de las tres: ASCAP; BMI o SECAC, para que les recojan las regalías globales.
Dancing with the Moonlit Knight
Phil Collins, Mike Rutherford, Peter Gabriel, Tony Banks, Steve Hackett
SME (on behalf of Inside Out Music); LatinAutor – SonyATV, UMPI, EMI Music Publishing, LatinAutor, CMRRA, LatinAutor – PeerMusic, and 11 Music Rights Societies.
Por esto es que se debe tener las canciones registradas:
If a composer feels a song has been infringed upon, she (the plaintiff) will have to prove two things before a court of law: “access” and “substantial similarity.” Music plagiarism law is a “strict liability tort” that means that if the plaintiff is able to prove that the accused (defendant) had access to her composition and the two songs have substantial similarity, it amounts to copyright infringement.
To prove substantial similarity between the two songs, “the ordinary observer test” is carried out where a layperson can identify any common elements between the compositions. Since average jurors cannot read music, experts (musicologists) are called upon by both parties to give their opinion and plagiarism cases often end up being a battle of the experts.
Hace poco finalizó el juicio sobre la autoría de la canción Stair way to heaven, compuesta por Jimmy Page e interpretada por Led Zeppelin. El grupo Spirit alegaba que los habían contratado para abrirle el espectáculo a la banda británica por allá en 1970 y que tenían en su repertorio una canción muy similar.
Por ser una canción exitosa género millones en regalías al compositor (fue interpretada por cientos de artistas y muy difundida en la radio). Al ser demandada por infringir los derechos de autor, tomó muchos años concluir el juicio, en este no exoneraron a Page, simplemente los expertos concluyeron que a pesar de la similitud, no se podía comprobar plagio. Aunque existían las dos pruebas exigidas por la ley: 1. Acceso, según el grupo Spirit, como ellos abrían, Page los oía. 2. Suficiente similitud, sí se parecen. Es otra historia interesante.
Otras dos compositoras que acaban de perder sus juicios por Derechos de Autor, fueron K. Perry y L. Gaga. A sus editoras les tocó pagar millones de dólares en dos juicios muy controvertidos, porque sus canciones eran parecidas a otras. Una, al parecer, era de una canción infantil y la otra de un rapero. Como esta, existen muchas historias ejemplarizantes sobre el plagio y los derechos de autor.
Pensaba registrar todas las canciones de los artistas de Neón en EG Música. Esta editora tendría soporte del sello discográfico y todas las canciones que pudiera registrar de los compositores a quienes les hacía demos, para eso se los hacía. Sabía que iba a necesitar canciones, por lo que el que quisiera grabar un demo, era bienvenido de una. En el baúl de los recuerdos tengo una cantidad de eso.
El mayor problema era, precisamente, la falta de materia prima: composiciones. Los “Artistas” tenían que echar mano a covers, para salir del paso y llenar sus discos de puro afán… Existían muy pocos compositores dentro del ámbito del rock.
Pasos para montar una editora musical
El Artista es una persona o grupo, bajo contrato, con un específico talento y habilidad que genera atractivo en las masas y ventas derivadas de su trabajo artístico.
Tiene la responsabilidad de entregar la obra u obras objeto del contrato a tiempo y de acuerdo con el presupuesto acordado y especificado.
El artista tiene un contrato de exclusividad con un sello discográfico, también lo debe tener con un manager o una agencia de manejo de talento, otro con el productor musical y si, además es compositor, con la editora.
El artista solo recibe lo pactado en su contrato con el sello discográfico. Por regla general al momento de la firma se le entregaba al manager un adelanto, quien se encarga de este y otros asuntos del artista.
El Manager pacta en otro contrato el manejo del artista y se encarga de la dirección del tour, la programación de fechas, la difusión del espectáculo, las posibilidades de promoción vía empresas, la comercialización de mercancía, las relaciones publicas, los medios de comunicaciones, las leyes y el desorden. ¡Ah!, y lo más importante: conseguir dinero por todas las vías posibles, de eso depende también su sueldo, el cual es un porcentaje de las entradas que genere el artista.
En mi época no había managers, había empresarios del espectáculo que traían artistas y, a veces, contrataban grupos nacionales. El aparente líder de cada grupo era el que se encargaba del manejo del mismo, de lo contrario desaparecía.
La primera persona que conocí que se aventuró a ser manager de un grupo de rock, fue Armando Plata, con Traphico. Antes había explorado con Génesis de Colombia, que no supo valorar su trabajo. Además, eso no era rock.
También exploré el manejo de los artistas que producía para Neón, pero era imposible abarcar tantos campos. Les conseguí presentaciones en televisión, todas esas que están en YouTube de Crash, Ship y todos las demás… Les hice conciertos, incluso monté un bar, La Punkería, para que pudieran tocar. Se hizo lo que se pudo, fueron desagradecidos y nunca valoraron el esfuerzo. Tampoco se les puede llamar artistas, no tenían ni contratos, ni canciones registradas, en pocas palabras: no teníamos nada, por eso no pasó nada.
Solo para darles una idea de lo que es una editora, leí hace poco esto:
Killer Tracks, a Universal Publishing Production Music company, has partnered with composer and music producer Sebastian Robertson to launch joint production music label Sonic Beat Records. The initial release includes more than 170 albums covering a vast range of contemporary styles, genres, themes, moods and emotions. The entire collection is available now for streaming, downloading and licensing through the Killer Tracks website.Killer Tracks is an industry leader in production music and a global source for pre-cleared music for film, television, advertising and interactive media. With more than 3,500 active albums from 44 global libraries, the Killer Tracks catalog spans every genre and features original works from some of the music industry’s most innovative composers, artists and producers. The premium catalog is continuously enhanced with exclusive recordings and new music updates. Friendly, knowledgeable support is always available through a dedicated team of music search specialists and licensing experts. When music matters, rely on the production music experts at Killer Tracks
Como ven, estos ‘Killers’ ¡Compran y venden música a tutiplén!
Entregas anteriores
Febrero 8 de febrero │ Las caras ocultas detrás de la música I: copyright, cómo registrar una obra, de la labor del compositor, los editores y del papel de entidades como el MIDEM y del ASCAP.
Próximas entregas
Viernes 14 de febrero│ Las caras ocultas detrás de la música III: El Productor, Preproducción, Producción, Postproducción y Las compañías discográficas.
Domingo 16 de febrero │ Las caras ocultas detrás de la música IV: La evolución del logo de Virgin
Enrique Gaviria explica en detalle los pasos de una producción musical y los roles que en esta intervienen: Las caras ocultas detrás de la música.
Hubo dos conciertos, el de Ancón en Antioquía y el de Melgar en Cundinamarca, a comienzo de los años 70, en ambos se presentaron las bandas que había en este momento. Terron de sueños, Caja de Pandora, Merlín, Albatros, Columna de Fuego, entre otras…
El rock nacional desde su génesis fue mediocre. No por los músicos que luchan por recrear ese género musical, ni más faltaba, sino por la hipocresía y los intereses que rodearon el nacimiento y evolución de este movimiento.
Érase una vez un iluso, pendejos les dicen en Bogotá; este pendejo creía que podría aportar un granito de oro al rock nacional, mi pasión es la música y el rock en particular
Por, Enrique Gaviria
Enrique Gaviria es uno de los ingenieros más recordados del rock nacional, no solo por la calidad de su trabajo, sino también por participar directamente de la producción de joyas incunables que aportaron a la reactivación del género en nuestro país, tras un letargo de varios años. Como él mismo nos cuenta en este artículo, fue el directamente responsable de la creación de los míticos estudios Fonovisión, (hoy en día Audiovisión), espacio por donde han pasado grandes leyendas nacionales e internacionales, como el mismísimo Eddie Kramer, uno de los grandes productores del rock mundial.
Tras años de trabajo apoyando el rock nacional, Enrique ha manifestado su eterno amor por el género, pero también su decepción por la difusa escena que se manifiesta en el país, por ello escribe sus experiencias en el blog El Jardín Audiovisual, donde ha registrado muchas anécdotas alegres, tristes, hilarantes y hasta surreales de la historia del rock colombiano.
Una de las principales referencias de este sitio ha sido la polémica que ha planteado a Jorge Barco, vocalista, guitarrista y tecladista de la legendaria agrupación de rock progresivo Ship, dado que Enrique considera que el músico de la banda recientemente reactivada robó y no reconoció su participación real en el álbum pionero, pero como toda historia tiene dos caras dejaremos para después este tema.
Lea aquí: La tenebrosa banda Ship y el ladrón de Jorge Barco
Los invitamos a leer esta interesante narrativa sobre una de las piezas fundamentales del rock nacional y a leer El El Jardín Audiovisual, el otro lado de la historia.
Érase una vez un iluso, pendejos les dicen en Bogotá; este pendejo creía que podría aportar un granito de oro al rock nacional, mi pasión es la música y el rock en particular.
Empecé desde abajo, cargando equipos y ayudando a mi profesor de radio Edgar Restrepo a cargar su batería para un concierto del grupo Génesis donde conocí a Armando Plata Camacho y entré de asistente al programa Tú y La música. Fueron ellos quienes me indujeron, para que, cuando acabara de estudiar comunicación social en la Tadeo, me fuera al exterior a estudiar ingeniería de sonido.
En ese concierto también tocaban Guillermo Guzmán ‘El Marciano’, y Miguel Muñoz (Los Speakers, Génesis) amigos de infancia. Fue Miguel quién me pasó un folleto del Institute of Audio Research en Nueva York, donde existía un programa completo para aprender las técnicas de la grabación del sonido, así como las bases para la producción musical y la programación de sintetizadores.
Aprender a grabar es fácil, es algo técnico, es como aprender a volar un avión y eso lo puede hacer cualquiera. Diferente es aprender a producir música, para esto se requiere talento, conocimientos musicales y visión. Mi intención al estudiar audio no era ser piloto de un estudio, era el inicio de mi carrera como productor musical y para esto también tendría que aprender los fundamentos de la música, es decir, empaparme del lenguaje musical y la armonía.
Mi profesor de música fue el maestro Uribe, padre de nuestra gran pianista Marta. Durante un año tuve cursos de solfeo y armonía mientras hacía las prácticas de audio en un pequeño estudio. Fue precisamente allí donde conocí a Hernando Becerra (Crash) y juntos hicimos nuestra primera grabación de rock con ‘El Marciano’, Barco y Vela, hace 45 años. También allí hice mi primera grabación de jazz con la producción de Gabriel Rondón y Javier Aguilera, grabaciones inolvidables y de todos ellos aprendí de música muchísimo, ¡1.000 gracias!
En 1977, terminada la pasantía y con más conocimientos musicales regresé a Nueva York, al mismo instituto, a repetir los cursos avanzados y tomar nuevos, como ya tenía un poquito de experiencia tuve la oportunidad de asistir en grabaciones y conciertos ¡Iba haciendo horas de vuelo!
Escribí el “plan de negocio” para el montaje y manejo de un centro audiovisual que tuviera dos estudios profesionales para audio, uno con capacidad para una orquesta sinfónica o filmaciones, el otro para mezcla y post producción de audio y un cuarto de edición de video sincronizado con los cuartos de control de los estudios, era la visión que tenía para poder producir material audiovisual, ya que tendría dónde grabar y editar mis producciones al tiempo que se alquilaba. Al regresar a Bogotá, con el plan completo y montado en un audiovisual empecé las rondas para mostrarlo y conseguir socios que quisieran aportar a este proyecto único en Colombia. Las rondas dieron fruto rápido y pronto conseguí los socios y la financiación para comenzar el proyecto.
En el verano de 1978, hace 40 años, constituimos la sociedad Fonovisión Internacional Ltda., con el propósito de prestar servicios para la grabación de audio, video y amplificación de sonido. Ese mismo verano viajé con algunos socios a comprar los equipos para el primer estudio que íbamos a acondicionar y el sistema de amplificación de sonido. En ese viaje se contrató al arquitecto acústico John Storyk, para que diseñara el complejo asegurándonos que quedaría perfecto tanto en acústica como en tecnología. La construcción duró un año, la instalación acústica estuvo a cargo de Bob Margouleff, productor e ingeniero de sonido; la conexión de los equipos y el diseño del sistema monitor estuvo a cargo de Ted Rothstein, ingeniero electrónico y de mantenimiento de los mejores estudios en el mundo. Fonovisión lo inauguró a finales de 1979 Eddie Kramer, (el legendario ingeniero a cargo de trabajos junto a Led Zeppelin, Rolling Stones, Santana, Whitesnake, Anthrax, entre muchos más), grabando cuatro canciones de Alexei Restrepo (Crash, Ship, Ex 3). Años más tarde este material fue parte del disco Born de Ship.
A partir de 1980, Fonovisión comenzó a prestar los servicios de grabación y amplificación de conciertos con éxito.
¡Iluso, el pendejo! Pero así era yo y así me fue, era tanto mi amor por el rock, que no me importaba regalar horas de grabación y dedicación con tal de participar y aportar algo a mi pasión: El rock nacional, que no existía y yo de alguna manera quería volver a sembrar y ayudarlo a crecer, desarrollarlo y, por qué no, hasta exportarlo. Creía firmemente que en Colombia existía mucho talento que se podría canalizar en la producción de música rock con estándares internacionales y que nuestras producciones pudieran ser distribuidas internacionalmente.
En 1980 los más reconocidos músicos de rock se habían marchado del país, Chucho Merchán, Miguel Muñoz, Augusto Martelo, Carlos Álvarez, Miguel Durier, Fernando Reyes, Mauricio Ramírez, Guillermo Guzmán y muchos más, para 1982 también se habían ido Lisandro Zapata, Mario García, Carlos Cardona y Roberto Fiorilli (Todos músicos de la primera y segunda generación del rock colombiano). Los que quedaban estaban dedicados a la producción de jingles o de señoras cantantes, algunos regresaron.
Proliferaban las orquestas de chucu-chucu y empezaba el vallenato popular y falso, el rock puro y duro, el verdadero, había muerto, hasta los conciertos se habían acabado, ya no había sueños, ni terrones (Terrón de sueños), tampoco Columnas de fuego, estas también habían emigrado fusionándose con ritmos tropicales, no quedaba ni mala yerba. A eso hay que agregarle la degradación del gobierno colombiano, la falta de estímulo y la persecución estatal al arte, para completar a la “música” le entró “la lepra” de las canciones protesta, violetas, pieros, faustos, leos y atahualpas se tomaron la atención y todo lo que olía a rock era imperialista, nada ha cambiado y al final, ¡la vida sigue igual!
El pendejo o iluso creía que en ese terreno estéril, osco y arrasado por cuanto inescrupuloso existía en los medios y las casas disqueras podría, si tenía los medios de estándar internacional, volver a sembrar para luego cosechar, con tiempo, paciencia y buena producción música rock nacional de calidad internacional y así fue, lástima que lo cosechado se pudrió.
No existía nada, todo era deplorable, si acaso unos comederos donde algunos tocaban jazz latino o bossa nova, allí, comíamos carne mal asada con tal de ver, escuchar y conversar entre músicos. Siempre les recordaba a todos que cuando tuviera el estudio terminado podríamos grabar todas las canciones que tuvieran y así fue, grabamos las poquitas que tenían. Son buenos con sus instrumentos, pero pésimos compositores, nadie componía canciones por lo que todo se les iba en “covers”, y sin canciones no hay nada, por lo que no había nada…
Los dos discos que se terminaron, Born de Ship tomó un rumbo inesperado y naufragó, el de Los Flippers, bien producido y con buenos músicos, pasó sin pena ni gloria, lástima, las cintas máster de estos dos discos, más cantidades de otros, se pudren hoy en el baúl de mis recuerdos. Este pendejo o iluso puso la herramienta y los medios para que, el que tocara rock tuviera la oportunidad de grabar sus composiciones en un estudio sin precedentes y gratis, no hubo canciones propias y sí mucho “des den”.
Desde comienzos de 1980 comenzó una invasión de artistas extranjeros de todo género musical, se abandonaron las rancheras, al Iglesias, al enano Nelson y no quedó ni Menudo, afortunadamente. Fonovisión se tomó todo el mercado de la amplificación profesional o hacerles pistas para que pudieran presentarse en TV. La lista es larga, sobre salen algunos, Billy Preston con quien además de amplificarle sus presentaciones, hice una sesión de grabación de 12 horas consecutivas donde compuso y realizó una canción completa con toda su banda, Hernando Becerra, fue asistente de grabación y el guitarrista de los solos. En el baúl de mis recuerdos está la cinta master.
Cientos de conciertos y grabaciones nocturnas con quien quisiera y todo el que iba, quedaba encantado. Con los músicos de White o de Clayderman, los gitanos de Paco, la trompeta de Dizzy, Paloma o Trigo limpio y cuanto artista nos visitó en aquella época. Fonovisión no era un estudio para alquilar y unos equipos para amplificar, era un centro para experimentar, para crear, para componer, para ensayar, para grabar y editar, para producir y el contacto con músicos y productores extranjeros nos enriquecía. Todo suena muy bonito y así era, todo nos quedó muy bien, discos con la Orquesta Sinfónica Nacional o arreglos musicales complejos, jingles o música para cine y televisión, los 40 o 50 discos que hicimos para señoras y cantantes.
Si tocabas rock eras bienvenido, apoyado y financiado dentro de mis posibilidades…
Así fue como les invertí tiempo, cintas, horas de estudio, producción y dinero a Ship (Born) y Los Flippers (Un Tiempo Mejor), Kocoa (dos sencillos y tal vez el primer trabajo Heavy Metal del país), Orlando Betancourt, que era el único capaz de producir algo memorable, no completó su disco y se fue del país. Alberto Ramírez pudo haber terminado un disco formidable. Crash, Tranvía, Emilce, Mochi, Del Toro, Ossa, llegaron hasta donde tuvieron canciones, sin esto no hay nada y en nada quedamos.
Hasta 1983, dos años después de inaugurado, logré darme cuenta que el rock en Colombia estaba muerto. Ese año, en la convención de música que se lleva a cabo en Cannes (MIDEM), llegué a la conclusión que jamás el estudio sería alquilado para que un grupo internacional fuera a Colombia a grabar, y qué las producciones que tenía tampoco tenían valor.
Lo que siguió por algunos años fue tedio y monotonía. Grabar jingles todas las mañanas, música para señoras o cantantes en la tarde y noche. Amplificar conciertos el fin de semana, que si estaba de buenas era algo interesante y podía pasar algunas horas después del concierto grabando con los músicos, ese era el aliciente que me quedaba. Recuerdo, el jam de Didier Lockwood y su banda, a Eddie Palmieri, hasta Los Hombres G.
A veces uno construye sus propias jaulas de oro…
Otra vez, el pendejo volvió a caer, 10 años después volvía a tomar parte en la adecuación e instalación de nuevos equipos para la reapertura del estudio, esta vez se llamaría Audiovisión. Hace 30 años adicionaba equipos digitales y tecnologías al estudio; volví a grabar, esta vez como piloto durante un tiempo, más de seis discos consecutivos y muchas cosas más, pero con una gran diferencia era un “operario de sonido” y así me lo hicieron saber, cuando entró de socio don Francisco Montoya.
Las casualidades de la vida, en diciembre de 1979 inauguraba Fonovisión, en diciembre de 1989, 10 años después, salía de Audiovisión, dejándolo nuevo. Nunca se sabe para quién se trabaja… ¡Pendejo al fin y al cabo!
Se hizo lo que se pudo y es lo que ahí les dejé por amor al rock, 5 discos:
Fonovisión (Audiovisión). Un templo para la grabación de audio o video, que cumple 40 años y lo hice por pasión y amor al rock. Quedó para la historia de nuestra causa: el rock nacional, y estoy seguro de que sus instalaciones jamás serán superadas ni en tamaño, ni en materiales, ni en diseño, ni en acústica ¡ojalá pasara!
Los equipos cambian, las consolas se integran a sistemas digitales y muchas cosas más, pero la ergonometría de los cuartos de control y los espacios de cada estudio prevalecerán por siempre, así como su refinamiento, ¡digno hijo mío! Como cantaba mi ídolo infantil Marisol, la vida es una tómbola… de luz y de color…. y todos en la tómbola… No me puedo quejar, a pesar de todo, en la tómbola me ha ido bien.
Ah, y no me crean tan pendejo…
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